Esta é uma coluna chamada Pity Party e é trazida a você por Lauren O'Neill da Noisey UK. É sobre música (obviamente) e sentimentos e #sentimentos. Por favor, chore junto, obrigado.
Estou ficando mais velho. No outro dia, deitei no chão no parque e minhas costas não estão bem desde então. Eu realmente gosto de sacolas resistentes ('Vou usar isso para minhas compras', penso encantada); Investi em um par de sandálias 'decentes'. Mas em nenhum lugar estou mais ciente do fato de que estou em uma descida de esqui para a velhice do que em um concerto, não importa o tamanho. Esteja eu em um estádio ou em um porão pingando suor do teto, frequentemente me vejo cercado por fãs de música muitos anos mais novos que eu e, enquanto os observo pulando por aí – o preço exorbitante de uma cerveja mal registrando na cara deles. de sua euforia nua — fico enjoada com minhas próprias reminiscências de olhos distantes sobre os bons velhos tempos. Ou seja, aos 24 anos, tornei-me um pai da música.
Você não precisa ser um pai de verdade para ser um pai da música, é claro — o pai da música é um estado de espírito, em que as coisas que importam para você na música ao vivo se tornam mais práticas. 22:30 termina? Ah sim bebê. Apenas uma banda de suporte? Você está falando a minha língua. ASSENTOS? Esta é uma camada de nirvana .
Você pode, portanto, imaginar o quanto um evento como o Meltdown Festival do Southbank Centre me atrai. Durante 10 dias a cada verão, o local Music Dad mais amado do Reino Unido (que compreende três salas de apresentações, o Royal Festival Hall, o Queen Elizabeth Hall e o Purcell Room, todos os quais podem ter a melhor acústica da capital) abre seu portas para um curador, geralmente um ícone musical, que seleciona os atos para tocar vários concertos ao longo do período. Patti Smith fez isso, David Bowie fez isso, Yoko Ono fez isso – praticamente, em algum momento nos últimos 25 anos, pelo menos uma pessoa que você considera God Tier foi curadora do Meltdown Festival.
Em fevereiro, foi confirmado que o evento deste ano seria faturado por um amado artista do Music Dad - um homem tão gótico que insiste ele não é gótico apesar de se apresentar como um membro perdido da família Addams. Seu nome: Robert Smith. Sua formação: variando de My Bloody Valentine a The Libertines - embora geralmente suas seleções espelhassem seu próprio trabalho, em que todos os artistas escolhidos tinham um talento individual, mas identificável, para transformar tristeza em arte.
Nine Inch Nails por Kristen Welsh
Ao longo dos 10 dias do festival, eu vi três conjuntos muito diferentes de músicos – Death Cab for Cutie, Nine Inch Nails e Suzanne Vega – se apresentando, e eu me sentei em assentos extremamente confortáveis com uma vista excelente. Meu pai interior ficou vermelho de alegria. Do lado de fora, esses artistas não têm muito em comum: um é uma banda indie americana veterana, outro é um chefão do gênero industrial e o terceiro é um cantor e compositor excêntrico com um dom para imagens. Eles são, no entanto, unidos pela maneira vívida com que cada um transmite emoções. Em vários pontos da minha vida, também, eles expressaram meus sentimentos quando eu não pude, e a oportunidade de vê-los jogar nas condições de Meltdown parecia boa demais para perder.
Graças ao som superior e à capacidade de realmente ver, descobri que experimentar os três atos dessa maneira mais destilada me permitiu acessar o fio comum entre eles – introspecção – mais facilmente. No contexto do festival, o rock literário de Death Cab for Cutie, cujo show de segunda-feira à noite os viu percorrer seu catálogo robusto com facilidade e desenvoltura, com algo para O.C. fãs e novos ouvintes, me senti como um companheiro confortável com a abordagem mais abstrata do Nine Inch Nails.
NIN é um grupo que eu sempre admirei, não necessariamente apenas por suas letras, mas pela forma como eles lidam com uma das peças de conhecimento mais simultaneamente frustrantes e aliviadoras do mundo – que é que existem algumas emoções que nós não podes expressar adequadamente por meio de palavras. Eles frequentemente lidam com isso através do som, e seu show Meltdown cheio de raridades, embora grande em luzes e produção (eu teria preferido algo mais baixo, embora a resposta à sua configuração em geral tenha sido positiva), em seu melhor, explorou a escuridão emocional através de paisagens sonoras complexas que às vezes acenavam para o ruído.
Para terminar meu tempo no Meltdown, fui sozinho ao show de Suzanne Vega no Queen Elizabeth Hall e achei o ponto médio perfeito entre os dois shows que o precederam. A propensão de Vega para mergulhar nas profundezas do sentimento humano, juntamente com sua incrível habilidade para uma virada de frase, iluminou seu show intimista, onde ela apresentou quase todas as faixas com uma anedota sobre de onde veio em sua vida. Ela lida com duras verdades emocionais com graça e facilidade: 'Luka' faz referência ao abuso doméstico não com didática, mas com espaço e compreensão; o refrão da canção de amor 'Gypsy' não é gentil, mas captura uma rara e precisa intensidade de sentimento, enquanto ela canta: 'Oh, me abrace como um bebê que não vai adormecer / Enrole-me dentro de você e deixe-me ouvir você pelo calor.' Ver Vega tocando em um ambiente que realmente permitia que suas melodias simples e letras muito mais complicadas brilhassem parecia um privilégio especial, e embora sua performance naturalmente tenha se mostrado uma experiência muito mais silenciosa do que as duas anteriores que eu tinha visto, sua franqueza emocional compartilhava elementos com tudo que eu tinha experimentado antes.
Smith's Meltdown, então, era mais do que alguns artistas muito bons se apresentando juntos. Foi uma lição de curadoria: cada show que eu assisti - e de fato, cada show no festival - tinha sua própria marca pessoal, mas ao reunir artistas para quem o sentimento sempre vem em primeiro lugar, Robert Smith criou um evento sonoramente diversificado que trouxe à tona o melhor em todos que se apresentaram, por meio de suas associações entre si. Enquanto as paredes úmidas sempre terão seu lugar muito importante tanto na música ao vivo quanto no meu coração (e para muitos shows, não há lugar melhor para vê-las do que em uma pequena sala sem janelas), parecia que a essência da introspecção em cada um dos os atos que eu vi foram atraídos ainda mais pelo espaço para respirar oferecido pelos locais do Southbank Centre, criando algumas das experiências musicais mais envolventes que tive em anos. Quando bandas e artistas não são impedidos por um som ruim ou visuais inadequados, eles podem incorporar tudo o que os torna tão bons no palco, e isso torna a experiência de todos mais ponderada. E o preço de uma cerveja era muito razoável, na verdade.
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Este artigo foi publicado originalmente no Noisey UK.